Тераса у Сент Адресу

Тераса у Сент Адресу је слика француског импресионисте Клода Монеа. Слику је купио Метрополитен музеј уметности након продајне аукције  у децембру 1967. Слика је била изложена на 4. изложби импресиониста у  Паризу, која је трајала од 10. априла до 11 маја. Била је изложена под бројем 157. Моне је провео лето 1867 у туристичком центру Сент Адрес на енглеском каналу, у близини Ле Хавре (Француска). То је било у башти са погледом на Онфлер на хоризонту, где је насликао ову слику, која комбинује глатке, традиционално донета подручја са блиставим пасажима брзе, посебном техником и подручјима чисте боје.

 Модели су вероватно Монеов отац, Адолф, у првом плану, Монеова рођака Жоан Маргарит Лекадре на огради; Др Адолф Лекадре, њен отац; и можда Лекадреова друга ћерка, Софи, жена која седи окренута леђима

Иако сцена делује као породични портрет, она је далеко од тога. Монеови односи са оцем били су напети тог лета, захваљујући породичном неодобравању везе младог уметника са својом супругом Камилом.

Моне овај посао у својој преписци назива "кинеским сликарством у којем постоје заставе"; његов пријатељ, Реноар о њему говори као о "јапанском сликарству". Током 1860-тих, равне хоризонталне траке боје на композицији би подсетиле на софистицираност јапанских блок отисака у дрвету, које су скупљали Моне, Мане, Реноар и други у њиховом кругу. Штампа јапанског уметника Хокусаија, која је можда инспирисала ову слику и дан данас се налази у Монеовој кући-музеју у Живерни.

Повишена погодна тачку и релативно једнаке величине хоризонталних области наглашавају дводимензионалност слике. Три хоризонталне зоне композиције делују као да расту паралелно са равни слике уместо да нестају у простору. Суптилна напетост је резултат комбинације илузионистичког и дводимензионалности површине, која је остала важна карактеристика Монеовог стила.
Слика је сада у Њујорк Метрополитен музеју уметности. Она је купљена у 1967, са посебним прилозима које су дали или завештали пријатељи Музеја.

Јапанка са лепезом

Једно од Монеових интересовања, осим сликања и баштованства, било је и скупљање јапанске уметности. Најочигледнији доказ, који се не може оповргнути и који доприноси чињеници да је Моне волео Јапан и његову уметност, као и да је она извршила велики утицај на њега је Јапанка са лепезом. На тој слици је представљена његова жена Камила одевена у традиционалну јапанску одећу са лепезом у руци и лепезама у позадини. Ова слика је први пут изложена на другој групној изложби импресиониста, где је привукла велику пажњу. Сликање фигура на великом платну у пуној величини је традиционално сматрано најзначајнијим изазовом за сваког сликара. Користећи овај формат Моне је приказао јарке боје које су духовит коментар на став који су Парижани имали према Јапанцима и свему што је јапанско. На слици се налази жена одевена у кимоно од којег застаје дах. Камила носи плаву перику, чија је улога да нагласи њено европско порекло.

Мадам Гудиберт

Ово је једна од ретких Монеових слика која је урађена у реалистичком стилу и мало је позната. Осим ње, у реалистичном стилу је урађена и "Жена у зеленој хаљини".

Невероватна је вештина којом је Моне руковао - лакоћа и грациозност са којима је успевао да се избори са наруџбинама пуне дужине.

Господин и госпођа Гудиберт од Хавра су били дарежљив пар пун разумевања који су помогли Монеу у години несрећних догађаја који су се гомилали. Његова породица га се одрекла због брака са Камилом, са којом је имао дете. Ниједна од слика коју је на пролеће послао Интернационалној Изложби у Хавру није била продата а платна су задржали организатори. На лето су га заједно са Камилом и дететом избацили из стана који је закупљивао. Био је близу самоубиства. Наруџбина за портрет Гудиберта и њихова куповина његових других слика су помогли да пређе преко најгорих невоља, макар на неко време, и омогућила му да се врати сликању, које је у очају скоро напустио.

Портрет Мадам Гудиберт је урађен са једноставношћу. Њена хаљина је од оне врсте сатена која даје мали спектар боја али јој Моне даје значење дискретно додајући боје на тепих, огртач и завесе у позадини које дају светлији ефекат. Тај утисак се касније појачава белим детаљима на оковратнику и рукавима. као и у дезену шала. Глава и руке су насликане са елегантном једноставношћу.

Слика се налази у музеју Орсеј.

Импресија, рађање сунца

Ово је слика која је прославила Монеа. По њој је Импресионизам добио име.  

Моне је назив слике објаснио следећим речима:

Пејзаж није ништа више од импресије, брзе, која за последицу има ову ознаку која нам је дата, делом због мене.Слика је заправо призор из Хавра, поглед са мог прозора, сунце у магли и неколико бродских јарбола који искачу из призора. Питали су ме за име које ће ставити у каталог, зато што то није баш био поглед на Хавр, па сам рекао: "Ставите Импресија".

Слика је први пут приказана 1874. године на првој Импресионистичкој независној изложби (у то време они још увек нису били познати под тим именом). Критичар Луис Лерој, инспирисан називом слике, назвао је читаву изложбу "иложбом импресиониста", самим тим дајући назив правцу.

са је украдена 1985. иѕ Монеовог мзеја али је 1990. године враћена и од 1991. године чини део сталне музејске поставке.

Камилина смрт

 

Камилина смрт 5. септембра 1879. године сломила је Монеа. Након рођења њиховог сина Мишела Камилино здравље се погоршало и она је следеће године преминула у тридесет трећој години. Моне је насликао слику своје жене на самртној постељи и слика се може видети у музеју Орсеј.

Моне је у ову слику укључио много плаве и сиве, као и жуте, наранџасте и црвене,. По некима је овај избор боја довео до тога да слика буде превише светла. Светло које допире са десне стране не даје нам јасну Камилину слику.

Након Камилине смрти Моне је живео са Алисом, својом ускоро другом женом. Мало се зна о Камили, вероватно зато што је Монеова наводна љубавница и друга жена Алиса била толико љубоморна на Камилу да је захтевала да се униште све Камилине слике, сва писма Камиле и Монеа, као и свака успомена на Камилу. Била је одлучна у томе да порекне Камилино присуство.

Зашто ли је она толико мрзела Камилу? Вероватно зато што је дубоко у себи знала да је Камила једина права Монеова љубав. 

Жена у зеленој хаљини

 На овој слици је представљена Монеова млада жена Камила. Она је насликана у портрету пуне дужине. Слика је урађена у журби, како се рок који је салон дао приближавао, али је ипак привукла велику пажњу на уметнка. Такође је привукла пажњу колекционара Арсена Хосеја, француског новелисту који је касније постао генерални инспектор за уметничка дела. Слика је достигла цену од 800 франака, у то време невероватну цену за слику непознатог уметника.

За разлику од многих Монеових карактеристично меких импресионистичких радова, "Жена у зеленој хаљини" је реалистична студија која садржи тамне боје и дубоку позадину. Она успева да ухвати Камилу у очаравајућој пози у веома младом добу. Пуно пажње је дато њеној модерној хаљини.

У време када је слика настала Клод и Камила су били тек венчани пар и у финансијским тешкоћама. Продаја слике је била извор радости за обоје, и због своје успешности је донела уметнику наруџбину важног портрета. Та слика, "Портрет Мадам Годиберт", је такође приказ реалистичке школе. Обе су насликане пре дела које је Монеа прославино - "Импресија, рађање сунца."

На слици је представљена Монеова жена, љубавница и модел Камила. Она је била модел многим сликарима (делимично импресионистима), међу којима су и Едвард Мане и Пјер Август Реноар.

Прелепа жена у касним тинејџерским годинама са тамном косом и очима је такође била из скромне породице. За разлику од већине уметника који се нису женили својим љубавницама, Моне је ипак одржао свадбу. Ипак, у то доба су они живели у крајњем сиромаштву. Камила је умрла са 32 године и никада није видела Монеов прави успех.

Иако се чини да је Моне био неверан, он је без сумње волео Камилу. Она је представљена на више његових слика, укључујући и "Жене у врту", у којој су све четири жене засноване на Камили. У овом делу, као и На обали Сене, Бенекорт , на којој је такође представљена Камила, могу се видети почетке утицаја импресиониѕзма у његовим потезима.

Моне - импресионисти

Један заиста занимљив, поучан и интересантан видео о Монеу и његовим сликама

Линк

Рад у серијама

Током 1889. и 1890. године Моне је урадио серију слика стогова сена, теме која је тадашњем укусу деловала не само једноставно већ и потпуно немаштовито. На неким сликама "Пластови" су приказани изблиза, обрадио их је веома различито, трепераве у црвеном пламену сунца на заласку и пригушено масивне у снегу. Моне трази посредника између онога сто видимо и осећамо- ту лежи огроман значај импресионистичке естетике.

 "Пластови" су били само почетак. Монеов најуспешнији подухват у овом правцу била је серија слика насталих у периоду између 1892. и 1894. године. Ради се о погледу на катедралу у Руану а насликао их је чак двадесет. Моћна, готичка грађевина богато украшена орнаментима и обиљем фигура представља једну од најзначајнијих грађевина средњег века у Француској. Моне је изнајмио малу собу преко пута западне фасаде и две године је у три варијанте сликао. Метод рада је био започињање рада на неколико платана како би могао да их ради једно за другим како се светло мењало у току дана.

Китњасто прочеље руанске катедрале, сликано од ране зоре, кад сунце разлива златасте тонове по камену, до плавичастог смираја једног жарког летњег дана, открио је посебан интерес његове моћи запажања. Ту доминира однос материје и светлости. Али овога пута Моне открива чари фактуре, а преко фактуре једну посебну материју која није ни реална ни имагинарна. У неким деловима серије форма је одстрањена у толикој мери да се њено постојање само може наслутити преко распореда колористичких планова. Многима је већ тада било јасно да је Моне испливао из вода импресионизма.

Монеово интересовање за серије се поклопило са повећаним интересовањем за његов рад. Серије слика су код публике биле врло добро прихваћене. Он је, ипак, према свом раду био самокритичан и висе пута је уништио читаве серије слика. Моне је коначно доживео успех и ускоро су га сматрали једним од најважнијих сликара тога времена. Серија слика Руанске катедрале није била само врхунско достигнуће у стваралачком раду зрелог сликара већ је и осигурала његов успех.

На сликама локвања у базену Моне је отишао даље него било када у свом сликарству. Површина воде сада прекрива читаво платно а величина листова локвања представљала је Монеу средство за успостављање хоризонтала на његовим сликама док је одраз врба и трске у ствари производио вертикале у структури. Али ова геометријска и уједначена структура није ни монотона а ни лишена живота јер је необична декоративност лишћа и цвета локвања дочарана вештом употребом боје. Смештајући их у мозаик светлости, са непоновљивом вештином и суптилношћу он хвата и приказује на стотине различитих нијанси боја. Његови потези нису више ни хоризонтални ни вертикални већ се јавља слободнији израз у Монеовој техници, заједно са удаљавањем боја од реалне природе. Такође и употреба великих формата је направила локвање изузетно битним за будуће уметнике. Касни радови локвања су најрадикалнији одраз Монеовог декоративног стваралаштва. Да би остао млад и свеж он јих је сликао до последњег часа са намером да та чудесна дела кичице остави држави - оној истој држави која му није откупила ни једну слику, није доделила ни једну награду и није дала ни једно почасно звање.

Локвањи

Једна од најпознатијих и најбројнијих Монеових серија слика...

Поља у пролеће

Једна од главних тема француског импресионистичког сликара Клода Монеа била су поља. Након пресељења у Живерни, 1887. године насликао је једну од својих најзначајнијих слика, Поља у пролеће. Ова слика је типична импресионистичка, у изузетно строгој организацији површина и палети, и означава прекретницу у Монеовом уметничком опусу. Слика се данас налази у Државној галерији у Штутгарту.

Ослобађајући слику наративних елемената, у највећем делу, Клод Моне фокусира поглед посматрача на феномен свог, сасвим револуционарног концепта уметности. Разнолик размак од потеза четкице даје овим описима поља велику виталност и живу напетост.

На слици Поља у пролеће Моне приказује свој омиљен мотив тополе, које су симболички повезиване са француским наслеђем и историјом, и често постављене дуж сеоских путева и на улазима имања. У првом плану слике приказане су три тополе, а једна је мало даље од них. Низ топола је у позадини. Поље је преплављено зеленом травом и цвећем. У позадини се виде брда и широко небо, насликани у плавим нијансама, који као да се спајају у целину, и са пољем.

У природну сцену Моне уноси елегантну градску, даму са сунцобраном и малог дечака, користећи своју жену Камил и сина Жана, као моделе. Фигура жене уводи једну елегичну ноту у слику, док светле површине њене хаљине играју важну улогу у балансирању композиције и показивању међусобних односа светлости и боје.

Композиција слике је обликована преплитањем хиљада потеза чисте боје и преноси утисак пролећног пејзажа преливеног светлошћу.

У време када је Клод Моне насликао Поља у пролеће ликовни критичари су већ ценили његову оригиналност иновативног третмана тема природе и истицали изузетну вредност његове уметности. Монеов поштовалац и колега, уметник, Пол Сињак, писао је на пример : "Али не , Моне, ти ниси природњак. Стабла у природи нису плава, људи нису љубичице, а Ваша је велика заслуга што сте сликали тачно онако како их видите, из љубави за лепе боје, а не због тога какве оне заиста јесу."

Сент Лазар станица

  

Када је сликао станицу Сен Лазар Моне се тек био доселио у Париз. Након година сликања сеоских предела, окренуо се урбаним пејзажима. У време када су критике Золе и Дурантиија терале сликаре да сликају време у коме живе, Моне је решио да дода диверзитет изворима инспирације и жудео је да буде признат, као Мане и Дега, сликари савременог живота.

1877. године , док је био у области Ноувелле Атхèнес, Клод Моне је тражио за дозволу да ради на станици Гер Сан-Лазар. То је било идеално место за некога ко је тражио променљиво сијање светла , покрет, облаке паре и помало модеран мотив. Од тог момента видимо серију слика, сваку сликану из другог угла, укључујући и његове чувене бале сена. Упркос наизглед очигледне геометрије металног рама, овде преовлађују ефекти боје и покрета које бацају у други план сам опис машине или путника и омогућавају Монеу да се не упушта у детаље. Одређене зоне, прави делови истинског сликарства, успели су да створе скоро апстрактну визију. Ова слика је била хваљена од стране још једног сликара модерног живота, Густава Калеибота, чије слике су често биле потпуна супротност Монеовим.

Интересантно је то што је Моне, да би добио дозволу за рад на станици, обукао своје најбоље одело, наместио бркове и браду и тако спремљен отишао до управника станице. Наиме, он се плашио да га управник неће пустити да слика. Ова његова појава је импресионирала све на станици, тако да су возови данима стајали на станици испуштајући облаке дима и паре.

 Моне слика "Железничку станицу Сен-Лазар" 1877. године. Ова станица је дуго фасцинирала Монеа и прогоњен жељом да је наслика, био је доста занесен њом. Возови су били заустављени, перони затворени, локомотиве су биле пуне угља тако да су избацивале пару на начин на који је Моне то желео. Изазивајући опште страхопоштовање, он се сместио на станици и данима је сликао. Привлачиле су га линеарне структуре а да би продубио простор употребио је дим, пару и сунчеву светлост. Тако је фиксирао један моменат у блиставој игри материје и сунца. Светлост је та која овде одређује природу. Приказан је контраст између блиставог сјаја у коме се купају зграде у позадини изван станице, и густе плавкасте измаглице која се шири у предњем плану и меша са димом локомотиве.